Learning music / Basslines

この記事はAbletonの学習コンテンツの和訳です。

Make basslines

ベースラインは、低音のパターンです。これは楽曲のコードを補強する役割を持ち、また、ドラムと繋がった、または対照的な面白いリズミカルなパターンを用います。

“Good Life”

このトラックでの、短く、鋭いベース音は、ヤマハ DX100というシンセサイザーで演奏されます。 DX100を含むほとんどのシンセサイザーには、プリセットと呼ばれる作成済みの設定があります。特にこの音色は、「ソリッド・ベース」と呼ばれるDX100のプリセットで、90年代には、多くのテクノやハウスで用いられました。

ベースラインの構成

この初期のテクノの名曲では、ベースラインは複雑なパターンで短い音を鳴らします。これはドラムパターンがほとんど四つ打ちであるのとは対照的です。

原曲の決定的な特徴––短い音と複雑なリズム––を用いて自分のパターンを作ってみましょう。

“Around the World”

ベースの音はどれ?

Daft Punkは、作曲の過程についてあまり多くのことを共有しないので、この曲でどの楽器がベースを演奏しているかは完全には明らかではありません。このスタイルは、ファンクのベーシストのプレイスタイルと同じですが、シンセサイザーで演奏されます。

ベースラインの構成

このベースラインは、3回の「上り階段」の後に、スケールの音を下っていくという、面白い形をしています。3回の繰り返される変化の後に、新しいアイデア、という形はよくある作曲テクニックです。

原曲の決定的な特徴––複雑なリズム、経過音、同じアイデアの3回の繰り返し––をいくつか用いて自分のベースラインを作ってみましょう。

ここで、どんなコードも演奏されていないにも関わらず、(Mary Had a Little Lamb の例と同じように)このベースラインに含まれる音がいくつかのコードの可能性示しています。

ベースラインによる「暗黙的な」コード進行を意識してみましょう。

気づきましたか?

この特定のコード進行(1-3-5-4)はとても有名です。これはDaft Punkの他の曲"Get Lucky"でも(キーは違いますが)使われています。

“Under Mi Sleng Teng”

ベースの音はどれ?

このベースの音、さらにこのパターンは、安価なキーボード"Casiotone MT-40"のプリセットです。 このダンスホール・トラックは同じベースラインを用いる数々の曲を生み出しました。

このパターンが"Around the World"のものと似たようなデザイン――3回の繰り返しと、新しいアイデア――になっていることに気を付けましょう。自分で様々なバリエーションを作ってみましょう。

“Never Tell You”

ベースの音はどれ?

Daft Punkと同じく、Rhythm & Soundも、彼らの機材や作曲過程をほとんど共有しません。しかし、この音は何らかのシンセサイザーで作られているでしょう。

ベースラインの構成

このベースラインは、このダブ・テクノ・トラックの中で最も重要な要素です。いくつかコードはありますが、それらは殆ど「裏方」です(注意:これらのコードは全て、以前学んだ裏拍の「スカンク」リズムで演奏されています。このリズムは、レゲエやダブに関係するスタイルではとてもありふれたリズムです)。

ベースラインそのものではなく、これがどれだけ少ない頻度で鳴っているのかに注目しましょう。パターンのほとんどは空白であり、さらに、これらの音はほとんど、「拍と拍の間」の奇妙な位置で鳴ります。

多くの「空白」と奇妙なリズムを用いて、自分のパターンを作ってみましょう。

Oblivion

ベースの音はどれ?

この曲では、すべてのパートがシンセサイザーで演奏されています。ボーカルだけでなく、ベースラインもこの楽曲における最も目立つパートです。

ベースラインの構成

このベースラインの長さは8小節は、2つの4小節の集まりに分けることができます。 最初の2小節は、Dマイナー・トライアドに含まれる音でできています。この2小節が2回繰り返されます。

次の4小節は、同じパターンを、Bマイナー・トライアドの音で演奏するようにします。このパターンも2回繰り返されます。

コードの輪郭を示すリズミカルなパターンをアルペジオと呼び、これはベースラインを作る上での基本的なテクニックです。多くのシンセサイザーにはアルぺジエータというものか付属しており、これは、コードの音を押したときにアルペジオのパターンを自動的に演奏するものです。

アルペジオを用いたベースラインを作ってみましょう。

Play with basslines

これまで、あなたはベースラインについて少し学びました。今度は自分のパターンを作る時間です。

Learning Music / Chords

この記事はAbletonの学習コンテンツの和訳です。

Make some chords

最後のレッスンでは、音でスケールを構成する方法を学びました。今度は、音でコードを構成する方法に目を向けてみましょう。コードは、同時に演奏される複数のピッチの集まりです。 コードをいくつか試してみましょう。

Major triads

最もよくあるコードは、トライアドと呼ばれる、スケールのはじめの音から数えて3番目、5番目の音を加えることで構成されるものです。例えば、Cメジャースケールで、C上に構成されるトライアドは、以下の3音でできています。

  • C(ルート)
  • E(Cから数えて3番目の音、第三音と呼ばれることが多い)
  • G(Cから数えて5番目の音、第五音と呼ばれることが多い)

このコードは、Cメジャー・トライアドと呼ばれています。 Cメジャー・トライアドを作ってください。

もし答えが分からなければ、Fill solutionを押すことで、Cメジャー・トライアドを埋めることができます。

メジャースケールと同様に、メジャー・トライアドは「幸福」「高揚」を感じさせます。

Minor triads

Cマイナースケールにおいても、トライアドは同様の方法で作られます。つまり、

  • C(ルート)
  • E♭(the third)
  • G(the fifth)

これは、Cマイナー・トライアドと呼ばれます。 Cマイナー・トライアドを作ってください。

もし答えが分からなければ、Fill solutionを押すことで、Cマイナー・トライアドを埋めることができます。

マイナースケールと同様に、マイナー・トライアドは「悲しみ」「暗さ」を感じさせます。

ここまで、あなたはいくつかの普遍的なコードがどのようにできているのかを見てきました。次は、これらが楽曲の中でどのように使われるのかを見てみましょう。

“Get Up, Stand Up!”

コードの最も簡単な使い方は、楽曲全体で1種類のコードのみを繰り返し演奏することです。

What plays the chords?

(この曲では)エレキギターや、アコースティック及びエレクトリック・ピアノを含む多くの楽器がコードを演奏しています。 しかし、これらの楽器はとても異なる方法で使われています。ギターとキーボードには、一定のリズムでコードを演奏するものもある一方で、即興の、予測しづらいパターンを演奏するものもあります。

How do the chords work?

この曲全体の根底にあるコードは、アコースティック・ピアノで演奏されているのと同じ、Cマイナーです。

これらの音符はビートの中間に位置していることに注意してください。このオフビートのリズムは、レゲエにおいて、スカンクリズムとして知られています。

“Mary Had a Little Lamb”

この有名な子供向けの曲は、そのメロディ––普通歌われる単音の列––がよく知られています。これはFメジャースケールでの演奏です。

しかし、メロディをコードと合わせることは、テクスチャ(訳注:楽曲の響きなどを表す言葉)を埋めるのに役立ちます。これは単純なコード進行––特定の順序で演奏されるコードの連なり––の例です。コード進行は、楽曲のトニックから離れては戻ることで、緊張と解放の感覚を持たせるために、多くのタイプの楽曲で使われます。

What are these chords?

加えたコードはFメジャー・トライアドと、Cメジャー・トライアドです。しかし、なぜこれらのコードを選んだのでしょう。 メロディに注目すると、最も頻出する音は、伴奏のコードに含まれる音と同じだということがわかります。例えば、最初の小節では、FとAは共にFメジャー・トライアドの一部です(このような音を和声音と言います)。Gは和声音ではありませんが、これは単にFとAを繋いでいる音だと言えます。2つの隣り合う和声音の間にある非和声音を、経過音と呼びます。

これは、コード選びの一つの道を暗示しています。つまり、メロディの音を含むコードを探すことです。

しかし、ここでは他の原理も使われています。これらのコードはそれぞれスケールの第1音と第5音(FとC)の上に作られています。これらのコードをそれぞれ1コード、5コードと呼ぶことができます。1コードと5コードの間の進行は、出発と到着、緊張と解放の強力な感覚を生み出します。1コードの節での「安定した」、「地に足のついた」音と、5コードの節での「緊張した」、「未完成の」音とを比べてみてください。

異なるコード、異なるリズムを試してみましょう。

1-5-6-4

この4つのコードによる進行は、近年のポップソングの基礎となっています。このビデオでは、たくさんのそれ(訳注:4つのコード?)が組み合わされ、また、Dマイナーに移調されています。

コードの順番を変えたり、またコード自身を変えることで、緊張と解放のバランスがどのように変化するのか聴いてみましょう。

Play with chords

これまで、コードについて少し学びました。今度は自分でコード進行とパターンを作ってみる時間です。

ビートを作ってコードと同期して再生することもできます。

Learning music / Notes and scales

※この記事は、Abletonの学習コンテンツの翻訳です。

Explore pitch

このレッスンでは、音の相対的な高低であるピッチについて学習します。 以下の領域内をドラッグして、ピッチを観察してみましょう。

特定のピッチには名前がついています。ここに、よくある5つのピッチがあります。

これらの特別な音には、それぞれA, C, D, E, Gという名前がついています。

Make patterns with pitch

ドラムの時と同じように、ピッチを用いていくつかのパターンを作ってみましょう。

次のレッスンでは、もう少しピッチを追加し、これらの音をどうスケールにまとめるかを学びます。

Keys and scales

ほとんどの楽曲は、特定のキーで作られています。ある曲のキーがCであるとは、その曲にとっての最も安定した音(トニック)がCであるということです。

同じように、ほとんどの楽曲は、特定のスケール––いくつかのピッチを低い順に並べたもの––に含まれる音を使っています。

Major scales

これはCメジャー・スケールです。

(小さな点は、これらの音の鍵盤上での位置を示しています。)

メジャースケールは、ほとんどの人には「幸せな」「明るい」音に聞こえます。

Cメジャースケールの音を用いて、いくつかのパターンを作ってみましょう(トニックを強調しています)。

スケールを絵の具のパレットのようなものだと捉えることもできます。スケールは、それぞれの音が関係し合うように、全ての使える音の中から選ばれた一部分なのです。それぞれのスケールは異なって聞こえ、特定のスケールは人々の特定の感情に結びつきます。

トニックからの特定の距離だけ離れた音を加えていくことによって、スケールを作ることができます。最も一般的な2つのスケールのタイプは、それぞれメジャーマイナーと呼ばれます。

Minor scales

マイナースケールは、異なる音程(訳注:スケール内の音同士の間隔が、メジャースケールとは異なる、という意味です)の集まりです。 これはCマイナースケールです。

ほとんどの人には、マイナースケールは「悲しく」「暗く」聞こえます。 (ピアノの黒鍵に対応する♭記号に注意してください。B♭は「ビー・フラット」と読みます)

Cマイナースケールの音で、いくつかのパターンを作ってみましょう。

Adding more notes

音高の集まりを12音に拡張しましょう。これは一般的に使われる全ての音名(と、1オクターブ上のC)です。

これは、クロマチックスケールと呼ばれる、別のタイプのスケールです。 (黒鍵に対応する音は、♯記号を用いて表されることもあります。「A♯」「B♭」はそれぞれ「エイ・シャープ」「ビー・フラット」と読みます)

クロマチックスケールを用いて、いくつかのパターンを作ってみましょう(クロマチックスケールにはトニックの概念は無いので、どのピッチも強調していません)。

12音全てを使ってみると、あなたのパターンは「普通ではない」「悪い」パターンになりやすいことに気づいたかもしれません。ほとんどの音楽は、(メジャーやマイナーの7音音階のような)一部の音しか利用しませんし、我々が聴いてきた音楽にも少ない数のピッチしかありません。

Play with notes and scales

これであなたは音符とスケールについて少し学んだので、今度は自分でパターンを作る時間です。 トニックスケールの設定を変えることで、異なる音高の集合で演奏した時に、あなたのパターンがどのように聞こえるのかを試すことができます。(これらの用語は、後の発展的な話題の章で説明しますが、それを知らなくてもここで演奏できます) ビートのパターンを作り、それを音符のパターンと同期させることもできます。

Learning music / Beats / Backbeats - Play with Beats

※この記事は、Abletonの学習コンテンツの翻訳です。

Backbeats

下の空のグリッドで、以下のことをしてください。

  • キックの列に、"four on the floor"パターンを置く
  • クラップの列の、5,13の位置に音符を置く

“in floor"な多くの音楽スタイルでは、「バックビート」と呼ばれる、2番目と4番目のビートにスネア(またはクラップ)を置くパターンを特徴としています。

答えが分からなければ、"fill in solution"をクリックすることで、このパターンを埋めることができます。

この"four on the floor"キックとバックビートのスネアやクラップとの組み合わせは、ハウスやテクノといった多くのジャンルでよく用いられます。

Bars

これまで見てきたドラムパターンは、全て4ビート毎にパターンの最初に戻っていました。この4ビートの集まりをbarとかmeasureと言います。 ここに、2barの長さを持つドラムパターンがあります。

楽曲は、複数のbarの音楽を組み合わせて大きなセクションを作り、さらにそのセクションを組み合わせることで作られます。

Rock and House

ビートの例

基本的なロックのビート 典型的なハウス

ハウスとロックのビートがかなり似ていることに注意しましょう。テンポの違いと、ハイハットとキックの些細な違いを除けばこれらのパターンは同じです。特定のドラムパターンが多くのジャンルで再利用されていることに気づくでしょう。

We Will Rock You

原曲のドラムの音は全てボディパーカッションでできています。「キック」の音は木の床の上で足踏みすることで、「クラップ」の音は実際に手を叩く音を録音して作られます。

“Single Ladies”

あなたは以前のビートの例(訳注:Rock and Houseの見出しのところ)で、ハイハットが安定した繰り返しのパターンを(しばしば、半拍毎に)演奏していることに気づいているかもしれません。しかし、この例では、それぞれの音が幾分か型破りな使われ方をしています。ここでも、半拍毎の安定したパターンがありますが、それはハイハットではなくクラップで演奏されます。

このパターンの中で、スネアは1回だけ叩かれます。これをどこに打ち込めばいいかわかりますか?

答えが分からなければ、"fill in solution"をクリックすることで、このパターンを埋めることができます。

スネアの音はオフビート––2つのビートの中間––に位置します。

Play with Beats

これまであなたはいくつかの例を試したので、今度は自分のビートを作る時間です。

このグリッドは今までと同じように動きますが、あなたの演奏をレコーディングすることもできます。レコーディングの時は、正しいテンポで演奏しやすいように、半拍毎にクリック音が鳴ります。

これであなたはビートについて実験してみたので、今度は別の概念に進みましょう。

Learning music / Beats / Make beats - Tempo and Genre

※この記事はAbletonの学習コンテンツの翻訳です。

 

Make beats

このグリッドは音楽の「内側」を表しています。

グリッド内のボックスをクリックして音符の追加と消去ができます。自分のビートを作ってみましょう。

 

What are these sounds?

以下のパターンを聞いてみましょう。

今度はこちらのパターンも聴いてみましょう。違いは何でしょうか?

音符はどちらも同じで、音色を変えただけです。しかし、これによってそれぞれのビートに固有の特徴が生まれます。 これらの4つの音色は、アコースティックかエレクトロニックかを問わず、多くのスタイルでもっともよく使われるドラムサウンドです。

Kick

バスドラムとも呼ばれ、アコースティック・キックはbeaterが取り付けられたペダルで叩かれ、ドラマーの足で演奏されます。エレクトロニック・キックには、アコースティック・キックと比べて音が長く持続するものもあります。 エレクトロニック・キックとアコースティック・キックの音色を比べてみましょう。

Clap

一人、または複数の人が手を叩く音です。今日では、実際に手を叩く音よりも、(ここで使われるような)様式化されたサウンドの方がよく使われます。

Snare

スネアドラムは、ドラムスティックで叩かれ、短くて明るい音がします。ドラムの底のドラムヘッドには、スネアと呼ばれるいくつかのワイヤーが張られています。底のドラムヘッドのスネアに対する振動によって、特徴的な鋭い音が出るのです。

クラップやスネア等の鋭い、あるいは明るい音色は、ドラムパターンの中では似たような使い方をされます。

エレクトリック・クラップとアコースティック・スネアの音色を比べてみましょう。

Closed Hat and Open Hat

これらの2つの音色は、ハイハットと呼ばれる楽器によって生み出されます。ハイハットは、スタンドに固定された2つの小さなシンバルの組です。上側のシンバルは、ペダルによって上下させられるロッドに取り付けられています。ドラマーがペダルを踏んでいる時、2つのシンバルは互いに押し付け合います。この状態が「クローズ」です。そしてドラマーが足を上げているとき、2つのシンバルは互いに離れています。この状態が「オープン」です。アコースティックのドラムセットの場合は、「オープン」と「クローズ」の中間の状態もあり、各状態の音色は異なって聞こえます。

全てのエレクトロニック系の音を一緒に聴いてみましょう。

全てのアコースティック系の音を一緒に聴いてみましょう。

Beat and tempo

What’s a “beat”?

ビートという言葉はふつう、「ドラムによって演奏されるパターンやリズム」という意味で使われます。あなたがこのレッスンでパターンを作ったり演奏したりする時、あなたはビートを作っているのです。 しかし、紛らわしいことに、ビートという言葉には「音楽パターンに横たわる、一定間隔で繰り返される鼓動」というもう一つの意味があります。足でビートを刻む、というときのビートと同じ意味です。

Tempo

パターンが再生される速さをテンポと言います。テンポはbeats per minutesあるいはBPMといった単位で表されます。したがって、「120BPMで演奏する」といったとき、それは1分間に120個のビートがあるという意味です。

ビートが明らかなパターンもあれば、掴みにくいパターンもあります。安定したパターンを聴くため、1,5,9,13の位置にキックを置いてみましょう。

答えが分からなければ、"Fill in solution"をクリックすることで答えを埋めることができます。

✅このパターンはとてもよく使われるので"four on the floor"という名前が付いています。

今度は、上の3列にいくつかの音符を加えてみましょう。但し、キックはそのままにして置いてください。どのように音符を置いても、安定したキックのパターンによって、鼓動が明らかなままであることに注意しましょう。

Tempo and genre

音楽のジャンル、またはスタイルは、音色や使われるパターンのタイプだけでなく、テンポ等の要素によっても決められます。

あなたは音楽を聴くとき、リスナーとしての経験から、多分そのジャンルに心当たりがあることがあるのではないでしょうか。以下はよくあるいくつかのジャンルの典型的なテンポです。

ビートを再生しながらテンポを調節し、パターンを変えなくてもどのように特徴が変化するのか聴いてください。

Learning Music / Get started

Abletonの学習コンテンツがとても良かったので、内容を翻訳してみた。今どの章を見てるのかわかりやすいように、章題は訳していません。何回かに分けて投稿します。

Get started

このレッスンでは、音楽制作の基礎を学びます。事前知識や機材は必要ありません。ここに含まれる内容は全てブラウザ上で実行できます。 まず、下のボックスを調べてみましょう。それぞれのボックスは、小さな音楽の部品が入っています。ボックスをクリックして再生してみましょう。

しばらくこれで遊んでいると、あなたの好きな特定の組み合わせが見つかるでしょう。多くのタイプの音楽はこのような方法––小さな音楽的アイデアを混ぜ合わせて面白い組み合わせを作ること、そして、それらの組み合わせを時間に沿って変化させること––によって作られます。

今、あなたは既存の音楽パターンを組み合わせました。次は、自身でいくつかパターンを作ってみます。